爵士乐简史

编著：gugu1

gugu1注：编写该简史过程中参阅了Mark C. Gridley的《Jazz styles—history and analysis》（第三版）、Frank Tirro的《Jazz—A History》（第二版）、爵士乐手Marc Sabatella的爵士即兴教程《A Jazz Improvisation Primer》以及诸多爵士乐手官方网站的人物传记、John Mclaughlin的相关资料直接援引自Jack335的译文，略有删减，在此一并致谢。欢迎爵士乐嗜好者和好事者转载，注明出处即可。

第一章   充满泥土味的新奥尔良爵士

众所周知，爵士乐发源于新奥尔良。新奥尔良是个 “寻欢作乐”的城市。它靠近密西西比河河口，密西西比航线是当时美洲和加勒比海之间的一条繁忙的水上贸易线路，作为一个迎接着世界各地的旅行者歇脚的海港，新奥尔良保持着它的狂欢的气氛，而且还有着当时美国最大最有名的红灯区。（音乐家们经常谈到的这个红灯区后来以“Storyville”而闻名，这个名字来自于当时的一位名叫Story的市政高官，是他1897年提出在这个城市的一角规划出一个区域以便合法地开展色情行业。由于Storyville在Jazz乐史上的影响，一些唱片公司、书籍出版商和夜总纷纷冠以这个名称。）


这个寻欢作乐的城市倒是为爵士乐史贡献了几位后人无可企及并且具有深远影响力的爵士音乐家，其中声名最为卓著的当数小号手Louis Armstrong、单簧管演奏家Sidney Bechet，钢琴演奏家Jerry Roll Morton。

整个二十年代时期，芝加哥是各种爵士乐活动非常活跃的一个中心城市。主要分成三个流派。第一个流派是由新奥尔良迁移至芝加哥的黑人音乐家组成的，在演奏和录音方面他们表现得异常活跃。第二个流派是与之相对的新奥尔良白人乐团，New Orleans Rhythm Kings。第三个流派则是由更年轻的一些白人乐手组成，其中许多都是芝加哥本地人氏，这些年轻的芝加哥白人组成爵士乐团体后来开创了爵士乐中的“Chicago style”或者说是“Chicago School”。有意思的是，这些年轻乐手中有好多（Jimmy McPartland、Frank Teschemacher、Bud Freeman）来自同一所芝加哥当地的高中——Austin High，因此被称作为“Austin High Gang”。

小号手Joe “King”Oliver（1885-1938）领导的Creole Jazz Band是一支全明星的新奥尔良的乐团，无论何时它都拥有最多、最棒、最让人羡慕的新奥尔良黑人音乐家，其中的明星乐手还包括小号手Louis Armstong、单簧管演奏家Johnny Dodds，鼓手Warren “Baby”Dodds，被认为是当时芝加哥最出色的新奥尔良风格的黑人乐团。
不过，随着芝加哥当地以及从新奥尔良迁移来的音乐家们与纽约的音乐家们之间的交流多起来，二十年代晚期，纽约的爵士乐逐渐兴盛发展起来。到三十年代为止大多数芝加哥乐手都迁往纽约了。


集体即兴是这时期爵士乐的一个最为显著的特征，也即是乐队全体成员同时即兴演奏。早期的爵士乐团试图让乐手在演奏中同时间地构想出乐句即兴互补。在新奥尔良乐手迁移至芝加哥发展期间，芝加哥的黑人音乐家（其中大多数原先是新奥尔良风格的乐手），逐渐开始偏离以集体即兴为主的演奏，转向集体即兴段落外加入些独奏的新演奏风格。

    “小包嘴”Louis Armstrong

小号手Louis Armstrong出生于新奥尔良（1900-1971）通常被称之为“爵士乐之父”。实际上，音乐家们更习惯于称他为“老爹”。此外，Louis Armstrong还有一个外号叫“Satchmo”，其实就是“Satchel Mouth（小包嘴）”的意思

Louis Armstrong最重要、最具开拓性的录音当数1927年和1928年命名为“Louis Armstrong and His Hot Five（Or Hot Seven）”，此时他确立起自己激动人心的独奏风格了，Armstrong向大家证明对于爵士管乐演奏者来讲，新奥尔良风格的集体即兴演奏手法并不是爵士即兴演奏唯一的途径。他聪明地将独奏发展成为一种非常有煽动性的风格，这种独奏不必要依靠集体之间的相互补充配合也照样能活力十足。换句话说，Armstrong是爵士乐史上第一位伟大的独奏者，而且部分由于他的原因，与以往侧重整体即兴不同，Armstrong以后出现的各种爵士乐风格都更为强调即兴独奏。

Louis Armstrong是个相当乐观诙谐的人，这样的个性使得他在三十年代以后成为一位十分受欢迎的娱乐人物，他在大约五十部左右的电影中亮相，并且还是一位倍受欢迎的爵士歌手，举个例子，他的翻唱的百老汇歌舞剧“Hello，Dolly”的主题曲，在流行歌曲排行榜第一位停留了一个星期，甚至超越了当时走红一时的流行乐团体The Beatles，并且在1964年年末的流行歌曲总排行榜上列第五位。在1955年之前的录音歌手中，Armstrong在全国性的单曲排行榜上停留的时间只有Frank Sinatra可以相提并论。

另外，由于Armstrong在歌曲中的使用，“Scat”这种无歌词的演唱技巧流行了开来。这是种以嗓音模仿小号手与萨克斯手演奏的即兴演唱技巧。歌手和乐手中擅长使用这种技巧的还有George Benson、Bobby Mcferrin、Ella Fitzgerald、Betty Carter、Dee Dee Bridgewater等等。

“肉卷”JERRY ROLL MORTON(1890-1941)

Jerry roll morton是一位来自新奥尔良的钢琴演奏家、作曲和编曲家和乐队领导者。一些爵士史学家认为他是最早的爵士钢琴家之一，同时也是第一位爵士作曲家。Morton精通于Ragtime和Jazz两种风格的演奏。他通过减弱Ragtime节奏的特殊跳跃感和减少其装饰手法在Ragtime钢琴风格和Jazz钢琴风格之间架起了一座桥梁。

Morton的演奏风格是十分复杂的。他能在钢琴上同步进行两到三条旋律线的演奏，像个小型的乐队一样，听上去就像一架钢琴上演奏着小号、单簧管和长号三样乐器的不同旋律。

Morton领导下最出名的乐团是在芝加哥时期的一系列录音乐队，总称为the Red Hot Peppers. Morton在那些录音中所体现出来的作曲和编曲方面的想象力至今仍受到爵士作曲家和学者们的尊敬和认同。Morton的乐团中吸收了许多出生成长于新奥尔良同时又隶属于其他芝加哥黑人音乐团体的乐手。

他是第一位能成功地将作曲和即兴演奏精巧而又平衡地糅合在一起的爵士音乐家，而且他的作品依然能传达出激情，被称为典型的集体即兴风格。Morton的这种尝试预示了后来Duke Ellington、Charlie Mingus和Sun Ra等人在这一领域类似的开拓和贡献。

Sidney Bechet（1897-1959）

新奥尔良的单簧管演奏家和高音萨克斯演奏家Sidney Bechet在早期爵士乐史上是最受人尊敬的音乐家。除Armstrong以外，他是另一位最早在演奏中体现出爵士摇摆感的音乐家。Bechet的演奏音色很温暖，音量很大，有着音域很宽和快速的颤音。他是位精力充沛、有很强推动力的即兴乐手，演奏具有很宽广的想象力和典范性。Bechet死于1959年，他的大部分演奏生涯都是在法国渡过的。

Sidney Bechet是爵士乐史上最伟大的独奏乐手之一。他和Armstrong在习得新奥尔良传统基本的集体即兴手法后，逐渐摆脱出来形成以上的演奏倾向。Bechet和Armstrong将爵士乐变为一种侧重即兴独奏的艺术。

Bechet的独奏观念上对后世起到了很大的影响，他被人提得最多非常受欢迎的独奏作品“Summertime”、“Blue Horizon”。他是最早推广高音萨克斯管演奏的音乐家，在六十年代期间，高音萨克斯由于现代爵士萨克斯手John Coltrane使用而重新风行起来，John Coltrane有一首曲子向其致敬的曲子名为“Blues To Bechet”。

对Sidney Bechet来讲，新奥尔良风格是一种充满泥土味、温暖、饱满的声音。这是无疑是对新奥尔良爵士的一个绝佳注解。

【代表人物】  Earl Hines、Fats Waller、James P. Johnson、Bix Beiderbecke、Johnny Dodds、Kid Ory、Jack Teagarden、Warren “Baby” Dodds，Arthur “Zutty”Singleton，Eddie Lang，Lonnie Johnson

第二章     “摇摆的纽约和堪萨斯”

   1929年美国经济大萧条时期，五十只主要股票在一天之内狂跌四十个点，整个美国陷入一种悲观黯淡的情绪之中，爵士乐却丝毫没有走到尽头的迹象。美国仍然需要音乐，甚至比以往更需要音乐的安慰。流行歌曲和感伤的曲调大行其事，充满梦幻、感伤和童话色彩的音乐舒缓着白人的痛苦，就像布鲁斯安慰黑人创伤的灵魂一样。

由于采用了特殊的八分音符和更为松弛的节奏，这时期的爵士乐开始变得更摇摆了。这种变化从二十年代后期逐渐开始，一直持续至四十年代。这期间的爵士乐大多数被称之为摇摆乐，又因为乐队通常由十人或十人以上组成，也被叫作“大乐队风格”。

摇摆乐可能是爵士乐史上最受欢迎的一种风格，它吸引了上百万爱跳舞的人们，也催生了好多出色的大乐队，诸如Fletcher Henderson,Duke Ellington,Count Basie,Jimmie Lunceford和Benny Goodman。这种风格时期涌现出来的一些独奏演奏家如萨克斯演奏家Coleman Hawkins和Lester Young，吉他演奏家Charlie Christian，小号手Roy Eldridge，钢琴演奏家Art Tatum以及Teddy Wilson对接下来的现代爵士的发展起到了重要的影响。

大乐队一般由十个或十个以上的乐手组成，乐器分为三个类别：铜管组，萨克斯风组和节奏组。铜管组由小号和长号组成；萨克斯风虽然也是种铜管乐器，但早先是木制的，被归入木管类乐器，因而自成一组；节奏组则由钢琴、吉他、贝司和鼓组成。

摇摆爵士成为爵士乐史上最受欢迎的少数几种风格之一，主要是由于它包含有如下特征：

1、有相当数量的摇摆乐时代的作品都是有人声演唱的，即使没有演唱的也大都建立在一些听众比较易学能记的歌曲的旋律基础之上的。

2、大多数摇摆乐时代的热门作品中只包含有几个小段落的即兴独奏，有的甚至就只有一小段。

3、这些热门歌曲中的即兴独奏段落很旋律化而且相对保守，比较容易被人接受。

纽约与堪萨斯是摇摆乐时期大乐队比较集中的城市，而且各自代表了不同的风格。Don Redman、Duke Ellington、Fletcher Henderson是摇摆大乐队的三位先锋人物，他们是纽约风格的杰出代表，Duke Ellinton在纽约哈林区的棉花俱乐部的四年正是其大乐队“Jungle-style（丛林风格）”的形成期，其乐曲创作的起步阶段；在二十年代和三十年代之间堪萨斯城汇聚了大批杰出的音乐家，成为纽约之外的另一道繁荣的爵士乐风景线。堪萨斯风格相对于纽约风格要轻松休闲些，拥有更多即兴成分。其代表人物为Count Basie、Bennie Moten、Mary Lou Williams。

     “公爵”Duke Ellinton


Duke Ellinton（1899-1974）是爵士乐史上最杰出的人物之一。他不仅是一位乐队领导者和钢琴演奏家，而且也是最富创造力和多产的作曲家兼编曲家。他创作的曲子超过一千首，而经他编曲和改编的曲子可能有这个数字的一倍半。

他的钢琴独奏师承James P. Johnson的“Stride styles（跨越式风格）”，而作为一位伴奏者，他发展了一种空隙演奏的手法，构成短小段落融入乐曲整体的演奏框架，对独奏者的演奏进行修饰。Ellinton独奏充满活力和想象力。

Ellinton写的曲子许多都成为经典之作。诸如“Satin Doll”、“Sophisticated Lady”、“I’m Beginning To See the light”、“Solitude”、“Mood Indigo”等等。几乎每一位爵士音乐家在其生涯中都曾演奏过Duke Ellinton的曲子，并且Ellinton也是被其他爵士音乐家以各种形式致敬最多的作曲家。80年代百老汇有一场名为“Sophisticated Lady”的回顾演出，用来向Duke Ellinton对爵士乐所作的贡献致敬.

作为一位编曲者，Duke Ellinton最为杰出的技巧是能够把握乐手独一无二的个人演奏风格，为乐手量身定做演奏的曲谱。

Duke Ellinton作为作曲家和编曲家在爵士乐史上影响深远。四十年代，他的作曲方式影响了Charlie Barnet和Woody Herman的乐团，Gil Evans也援引Ellinton的技巧来为Claude Thornhill和Miles Davis唱片编曲；五六十年代，你可以在Charlie Mingus、Sun Ra、George Russell的作品中感觉到他的影响力；七八十年代，Thad Jones以及前卫作曲家Anthony Davis也还声称Duke Ellinton对其影响最大。
Duke Ellinton大乐队的成员：

单簧管: Barney Bigard、Jimmy Hamilton

小号：Bubber Miley、Cootie Williams、Clark Terry
萨克斯风：Johnny Hodges、Harry Carney、Ben Webster、Paul Gonsalves
长号手：Joe Nanton、Lawrence Brown
鼓手：Sonny Greer、Louis Bellson、Sam Woodyard
贝司：Jimmy Blanton

伯爵“Count Basie”

公众一直把Benny Goodman看作是“King of Swing（摇摆乐之王）”，但对于大多数爵士音乐家来讲，这个头衔应该让位于Count Basie。与其它摇摆乐队相比，Basie的乐队看上去不是那么激烈扣人心弦，但是却更为摇摆。Basie从1937年开始领导他的大乐团，直至去世为止。他的乐队的每个阶段都有一到两位乐手为爵士乐史作出重要贡献，有些阶段甚至有四到五位乐手。

Basie是受Fats Waller影响下的跨越式弹法的钢琴演奏家，在他自己的乐队中它也是位出众的独奏者。简洁有力是Basie演奏风格的标志。他的演奏方式在爵士钢琴手中是独一无二的，音色很轻然而极端精准，他对每个音符的选择接近完美，而且对时间控制和感觉向鼓手一样准确（实际上，Count Basie的音乐生涯是从鼓开始的，后来才转向钢琴）。

爵士乐史上Basie领导下的第一个节奏组始终坚持以一种顺滑、休闲的方式来摇摆。这个著名的节奏组由Count Basie（piano）、Freddie Green(rhythm guitar)、Walter Page（string bass）、Jo Jones（drum）组成。四位乐手相互之间保持着一种不同寻常的平衡，平滑柔和的结合在一起，以致有听众描述这种感觉像是骑在滚珠轴承上。

以Count Basie为代表的堪萨斯城风格的编曲方式区别于新奥尔良风格的那种交替集体即兴，他是以“riff”的重复作为编曲的基础的，“Riff”即是简单的音乐段落。

三四十年代许多最优秀的小号和萨克斯演奏家在Count Basie的大乐队待过，其中尤为引人注目的当数Lester Young，他有个外号叫“Pres（总统）”，因为大家称他为次中音萨克斯乐手中的总统。另外1937年至1943年期间，摇摆乐时代最好的小号手Buck Clayton也在Count Basie的大乐队待过。四十年代以后，又一位杰出的小号手Thad Jones也成为了Count Basie大乐团的特色乐手。


摇摆乐之王——Benny Goodman


Benjamin David ‘Benny’ Goodman出生于1909年的芝加哥的一个穷困的移民家庭。他是家中最小的孩子，童年生活很艰难。他的父亲鼓励所有的孩子学习音乐，十岁那年，Benny开始正规地学习单簧管演奏。他某种程度上也是个神童，很小的年纪就开始在公众场合表演。由于其天赋出众，James Sylvester和Franz Schoepp给他私人授课。少年时期他就与小有名气的乐队合作了，其中包括Jimmy Mcpartland、Frank Teschemacher以及Dave Tough，十四岁时他就成为美国音乐家联合会的成员。

1925年Gil Rodin听到Benny Goodman的演奏，当时Gil正在Ben Pollack的乐团中演奏。1926年，Benny加入Ben Pollack的乐团一起去往纽约发展。他和Ben Pollack的合作一直持续到1929年，成为非常抢手的乐手，尽管很大程度上还不为公众所知。1934年，在得到John Hammond的帮助之下，Benny决定成立自己的乐队，其实在1933年，John Hammond就为Benny制造了许多演出机会，包括参与Billy Holiday的首张专辑的录制。Benny的新乐队名为Casa Loma Band，尽管Benny不是摇摆风格的奠基者，但他的乐队确实将爵士乐推进了摇摆音乐的新时代。

在建立自己的乐队不久，Fletcher Henderson也加入了进来，带来其自身的风格和独奏特征。Henderson在二十年代和三十年代早期领导了第一支黑人乐队。他的编曲成为摇摆时代Benny Goodman乐队的一个基本特征。Henderson对新旧音乐融会贯通，进行各种尝试为Goodman的乐队带来新的音响效果。其中包括部分以前的作品“King Porter Stomp”和“Down South Camp Meeting”，也有一些当时的作品象“What A Little Monlight Can Do”,甚至古典音乐也有涉及，如拉威尔的“Bolero”。

1936年，Benny Goodman引进Lionel Hampton。他的第一支乐队的颠峰期在1937年和1938年间。由于大受欢迎，Goodman有足够的钱来建立一些小的乐队，与Teddy Wilson和Gene Krupa等合作。1939年，Goodman将他的四重奏扩大至六重奏，加入了爵士史上第一位伟大的电吉他大师Charlie Christian。四十年代，Eddie Sauter引入了一些新的声音和新鲜观念，还包括一些自己的原创作品，如“Benny Rides Again”和“Superman”。同时期，Hampton离队，而小号手Cootie Williams加入了进来。

战后，Benny Goodman发现自己对Bebop的新和声手法感兴趣，于是也尝试着这种新风格。不过他对这种风格新的节奏模式不是很感兴趣，又回到了擅长的摇摆演奏。五十年代，Columbia唱片公司发行了他1938年的Carnegie Hall音乐会的唱片，成为当时的最佳销量专辑。1963年开始，Benny Goodman的音乐活动开始减缓，但是只要他愿意随时随地都可以东山再起。Benny被公认为是爵士乐史上的最佳单簧管演奏家，同时还赢得了摇摆乐之王的美名。

【代表人物】
Chick Webb、Gene Krupa、Coleman Howkins、Willie Smith、Don Byas、Illinois Jacquet、Artie Shaw、Django Reinhardt、Charlie Christian、Art Tatum、Teddy Wilson、Billy Kyle、Nat Cole、Erroll Garner、Lionel Hampton

第三章“咆哮的革命”

爵士乐史学家倾向于将四十年代看作是现代爵士的开端，最早的一批现代爵士演奏家为中音萨克斯手Charlie Parker，钢琴手Thelonious Monk，小号手Dizzy Gillespie；到四十年代中期，他们又影响了一批有创造力的乐手包括小号手Miles Davis，钢琴手Bud Powell；到四十年代末期，Parker和Gillespie还影响了一系列大乐队如Billy Eckstine，Claude Thornhill和Woody Herman。

二战尾声阶段，一些爵士音乐家感到大乐队摇摆已经走入了死胡同，摇摆乐编曲者为乐手即兴独奏留下的空间很小，而且和声与节奏单调老套，在Charlie Christian1941年与Thelonious Monk、Kenny Clark、Doy Byas、Dizzy Gillespie于Monroe’s Uptown House和Minton’s留下的系列录音中，他们发现了爵士乐的新的走向。在随后一系列音乐家的共同努力开拓之下，一种新的爵士乐风格“Bop（或Bebop）”诞生了。

Bop（或Bebop）被看作是现代爵士最早的一种风格。至于Bop和Bebop的名字是怎么来的不是很确定，有各种说法。很有可能来自于爵士乐手们对爵士演奏段落的无意义的哼唱“Dwee li du be bop oolya koo”；也有可能借用自Gillespie的一首曲子的名字“Bebop”。

这种新的音乐基本上是以康波（小型爵士乐队）形式来演奏的。演奏速度要比摇摆时期快好多，而且跳跃感十足，峰回路转。即兴演奏时乐手抛开主旋律，只保留和声行进，听上去异常复杂充满不可预知性。

Bop不是种流行的音乐。当1955年Charlie Parker死时，相对与Benny Goodman的家喻户晓而言，他还只是个寂寂无名的人物。Bop与摇摆乐相比首先缺乏视觉上的观赏性，大多数摇摆乐队演出都有歌手、舞蹈演员和绚丽的舞台，而Bop只能用来听，无其它听觉外的装饰；其次Bop的旋律复杂不可预知，因而听众难以跟随和记忆，更别说哼唱了；最后Bop的节奏快速不固定，不适合听众随着音乐跳舞。由于上述原因，尽管Bop在爵士乐史上是种具有重要历史意义的音乐新风格，但是在销量上与某些摇摆乐的上百万张销量相比实在相去甚远。




“新兵”——Charlie Parker




Charlie Christopher Parker出生于1920年的堪萨斯城，这是座有着Blues根源的爵士之城。Parker由其母亲养大，母亲买给他第一支中音萨克斯。十五岁时Charlie Parker就退学开始专业演出，十六岁那年他结了婚并吸食海洛因上瘾，这是导致他后来短命的一个最主要原因。1937年Parker在Lawrence Keye和Buster Smith的乐队中继续其学徒生涯，Buster Smith对其萨克斯演奏影响甚大，同一年中他的第一个儿子出生了，老爸却过世了。1939年，Charlie Parker坐车来到纽约，纽约期间是Parker演奏风格形成的关键时期。但是直到1944年Charlie parker与Tiny Grimes五重奏合作的录音中，Parker才彻底完成了从摇摆到Bop风格的转变，并确立了自己的独特演奏风格。

Charlie Parker的演奏在许多方面影响了他的合作伙伴和后来者。首先，他推动了现代爵士演奏的平均速度，Charlie Parker惯用倍速和双倍速演奏，即使是一首抒情曲的再演绎，他也会以快一倍的速度演奏；其次，Charlie Parker的演奏取材比较广泛，从Armstrong到Lester Young，布鲁斯歌手到早期爵士管乐手的旋律，流行歌曲到民间曲调，古典音乐到歌剧主题等等；大多数Charlie Parker的曲子都是建立在流行曲的和声行进上的，还有一些是以十二小节布鲁斯的和声行进作为基础的。

Parker在爵士乐史上的影响是巨大的。四五十年代Parker的即兴手法被无数的萨克斯风手采用和效仿。五六十年代的一些非常有号召力的即兴演奏家也将自己的成长归功于Parker的影响。例如John Coltrane，六十年代最重要的次中音和高音萨克斯演奏家，在其五十年代的作品中也展示了许多来自Parker的演奏手法；在六十年代的主要的两位开拓者Ornette Coleman和Albert Ayler的早期作品中，Parker的曲调和段落也时有所闻；Bop小号演奏家Dizzy Gillespie和钢琴演奏家Bud Powell也在演奏中模仿Parker的一些段落和特殊手法；许多爵士俱乐部都以Parker来命名，如纽约的Birdland，芝加哥的Birdhouse。


“眩晕小喇叭手”——Dizzy Gillespie



Parker的朋友和音乐上的伙伴，John Birks “Dizzy” Gillespie出生于1917年南卡罗莱那州的切洛。他自小学习和声以及音乐理论，1935年开始正式的演奏生涯。1937年，他取代了Roy Eldridge在Teddy Hill乐队中的位置，后来又和Benny Carter，Charlie Barnet、Cab Calloway等等合作过。

当1939年Charlie Parker和Dizzy Gillespie第一次碰头时，Dizzy已经是位资深的音乐家——相对年长、早已成名、而且拥有高超的演奏技巧、在表演和和声方面也十分在行。但是Parker很快就弥补了与Dizzy之间的差距。命运将Dizzy和Charlie撮合在一起绝对是最明智的选择，因为Dizzy是当时唯一拥有空前演奏技巧的小号手和高级和声理论的专家。他是Bop时代能超速演奏旋律的第一位小号演奏家。然而必须指出的是，无论Parker或Dizzy，他们所作的努力在爵士音乐圈乃至评论家还未获得广泛的承认，因为Bop音乐家不是已经确立地位的保守的爵士音乐圈的一部分，他们是群边缘人物。

Louis Armstrong是二十年代后期以及三十年代早期最杰出的小号演奏家，Roy Eldridge则是三十年代后期有着同样地位的小号演奏家，但对于Dizzy Gillespie来讲，他可不仅仅是四十年代昙花一现，他那开拓性的旋律观念、高音域的演奏、全方位的器乐驾驭能力直到现在还无人能出其右。


Gillespie在现代爵士史上有着全方位的影响，他的一些特殊演奏段落成为两代小号手演习的对象，而且还可以听到钢琴手、吉他手、萨克斯手、长号手的争相模仿。在四十年代，无数的小号手受其影响，其中包括Red Rodney，Kenny Dorham、Fats Navarro、Miles Davis、Thad Jones、Clark Terry等等。作为一名曲作者，他谱写的曲子如“Groovin’ High”、“Salt Peanuts”、“Con Alma”都已经成为爵士经典之作，几十年演奏不衰。


“钢琴修士”——Thelonious Monk



1917年Thelonious Monk出生于北卡罗莱纳州的洛基山。五岁时，Monk全家搬到纽约，一年以后开始学习钢琴演奏，十一岁时开始接受正规的钢琴教育。在高中时期他的物理和数学比较出色，有时也在教堂演奏管风琴。三十年代后期，他与一个福音乐团巡演，随后开始在俱乐部演奏，1941年至1942年间，他加入了Kenny Clarke的乐队任钢琴手，在敏顿俱乐部演出。1943年至1945年Monk在Coleman Hawkins的六重奏待过，1946年又加入Dizzy Gillespie的大乐队，1947年他开始领导自己的乐团。Coleman Hawkins为他提供了首次录音的机会，细心的人可以发现在乐曲“Flyin’ Hawk”中有Monk的一段精彩的独奏。然而，直到1947年Blue Note的一组唱片发行才使他成为众所周知的人物。

这组唱片中Art Blakey任鼓手，使得节奏非常有感染力，和声复杂而吸引人，再加上Monk独一无二的不和协音演奏和节奏感，更为其增添魅力。这些唱片可以称得上是那十年间的精华之作。“’Round Midnight”很快就成为非常流行的曲子，其它的像“Ruby My Dear”，“Well You Needn’t”，“In Walked Bud”也成为爵士乐经典之作。Monk演奏钢琴时手指是平直放的，这是被学院派钢琴家所不齿的，但他言简意赅的风格是故意追求一种现代的感觉，而不是说没能力像Art Tatum或Oscar Peterson一样流畅地演奏。对Monk来讲，没有欧洲浪漫主义音乐的影响，他用Blues也能表现足够的浪漫；不用过热的Bebop来演奏也能表达激情。他的即兴演奏机智、简洁和发人深思。

1951年一项捏造的藏毒罪名使得Monk被剥夺了在纽约的演出执照，而且随后六年现场演出的被禁几乎毁掉了他音乐生涯。由于河岸唱片公司的支持，他能找到志同道合的乐手一起合作，有时是以他的名义，有时也作为像Miles Davis、Sonny Rollins和Clark Terry等的客座乐手参与录音。1957年重新获得演出许可后，Monk召集了一个强力的五重奏固定在Five Spot俱乐部演出，成员还包括鼓手Shadow Wilson、贝司手Wilbur Ware和萨克斯手John Coltrane。Coltrane经常声称其在这个乐团的短暂停留时期使他获益匪浅。尽管从没有录制现场专辑，John Coltrane和Monk合作的录音室专辑也称得上是经典。Monk为了报答Coleman Hawkins早期的知遇之恩，在这些专辑中也力邀其加入，历史和未来终于因Monk而握手，以前被认为演奏太出格的Monk，其音乐生涯终于开始起步了。

1957年，Monk与Gerry Mulligan一起合作录音，使得他被更多的观众所认识。与古典作曲家Hall Overton的合作使他的演奏管弦乐化（1959年在Town Hall的现场演出）。1961年他第一次巡演欧洲，1964年又去了日本，六十年代初期，Monk组建了一个稳定的四重奏，成员有次中音Charlie Rouse、贝司John Ore、鼓手Frankie Dunlop。乐评认为他和其他萨克斯手的合作要更为出色些，如Harold Land、Johnny Griffin，但是他们忽视了实际上只有Charlie Rouse才真正理解Monk的曲风，他也许算不上是位伟大的独奏者，但他粗砺、生硬的演奏恰好像手套一样契合Monk的曲子。

七十年代早期，他和Pat Patrick以及儿子T.S.Monk合作，病痛开始限制其活动能力。但1971-1972年间他还是和Giant Of Jazz一起巡演，1974年还率领自己的大乐队参与了新港爵士音乐节。1971年他为黑狮唱片公司录了两张专辑《Something In Blue》和《The Man I Love》，都是三重奏的作品，贝司手是Al Mckibbon，鼓手为Art Blakey。这是两张Monk的最佳专辑，充分展现了鼓手和钢琴手之间出神亲密的合作。1982年，Monk死于中风，之前六年他没有于任何公众场合演奏。
Monk的影响在八十年代开始逐渐地增强，Buell Neidlinger组织一个乐团，弦乐化的爵士，只演奏Monk和Ellington的作品；Steve Lacy,在六十年代早期也是有一段时期只演奏Monk的曲子；而且还有一系列向其致敬的专辑，如Arthur Blythe的《Light Blue》、Anthony Braxton的《Six Monk’s Compositions》、Paul Motian的《Monk In Motian》、Hal Wilner的《That’s The Way I Feel Now》等等。

Monk具有一种独一无二的能力，能将精致、令人惊讶的和声转接以及古怪的节奏融进疯克味十足的Riff中，他的作品实际上比其他人的更有穿透力，对爵士乐来讲，这是种最高的赞扬。
【代表人物】
J.J.Johnson、Bennie Green、Oscar Pettiford、Ray Brown、Tommy Potter、Dexter Gordon、Lucky Thompson、Stan Getz、Sonny Stitt、Plip Phillips、James Moody、Gene Ammons、Charlie Rouse、Zoot Sims、Milt Jackson、Kenny Clarke、Max Roach、Roy Haynes、Al Haig、George Shearing、Billy Tylor、Tadd Dameron、Hank Jones、Ahamad Jamal、Tal Farlow、Jimmy Raney、Barney Kessel、

第四章   “东海岸、西海岸——爵士黑与白的分野”



从四十年代后期和五十年代早期开始，爵士音乐家们以摇摆时代次中音萨克斯演奏家Lester Young轻快、干燥的音色为典范逐渐发展起一种相对不狂躁、平滑的演奏风格，Bebop的狂热和急促由于这种Cool Jazz的发展而有所降温了。1949年至1950年期间，Miles Davis领导下的九人乐团为Capital公司录音，出了张名为“The birth Of The Cool”的唱片，这张作品对整个五十年代的爵士乐造成相当大的影响。Miles Davis在该唱片中巩固了来自于Claude Thornhill、Gil Evens、Lennie Tristano这方面的探索成果，使其风格更为明显。因此，在所有四十年代后期有这方面探索的唱片中，Miles Davis的这张是被人记住并提到最多次数的。

Miles Davis的这张“The Birth Of The Cool”对随后的西海岸风格的形成发展产生过重要的影响。西海岸风格是整个California五十年代占主导地位的爵士乐形式。尽管取材于Bop的旋律和和声方式，但是西海岸风格有着平滑、曲调般休闲的即兴演奏，刚好与Bop的紧张相对。Lester Young、Miles Davis、Lee Konitz都对西海岸风格的形成作出一定贡献。总体来讲，白人爵士演奏家在西海岸风格中占大部分，而且相当数量的爵士音乐家都是来自Woody Herman和Stan Kenton的白人大乐队，其中有大家熟悉的Gerry Mulligan、Art Pepper、Bud Shank、Shorty Rogers、Jimmy Giuffire、Shelly Manne等等。Chico Hamilton五重奏与Dave Brubeck四重奏是非常受欢迎的两支西海岸乐队。

西海岸风格和硬波普是五十年代最主要的两种爵士风格，由于硬波普风格主要集中在Detroit和Philadelphia一带，因此相对也称其为东海岸风格。硬波普乐手与西海岸乐手最大的区分就是选择谁为模仿对象。举个例子，西海岸风格的中音萨克斯代表Art Pepper、Bud Shank、Paul Desmond等等，音色上都有些类似于Lee Konitz。硬波普中音萨克斯演奏家则相反，他们通常以Charlie Parker为主要模仿对象。硬波普是从Bop平缓演变过来的，像长号手J.J.Johnson、小号手Kenny Dorham、次中音萨克斯手Sonny Rollins、鼓手Max Roach等于Bop时期成名，在硬波普时代继续保持着他们的地位。硬波普的一个显著的特征是使用带有疯克味、朴实的节奏段落，同时借用Gospel（福音音乐）的和声手法。尽管硬波普的演奏者中也有白人乐手，但总体来讲，黑人乐手占有主导地位。

    出上述两种主要的爵士风格以外，五十年代还有一种被称作为“Third Stream（第三流派）”的爵士风格。这个新名词是古典乐作曲家和指挥家Gunther Scheller提出的，他对古典乐和爵士乐的双重兴趣导致了这种风格的产生。在他看来，古典乐和爵士乐是两种不同的流派，而这两种流派的汇合就形成了“第三流派”。但在实践中，却是Charlie Mingus和Teo Macero成功地将古典先锋音乐融入到爵士作品中去的。进行这方面探索的还有Lee Konitz和George Russell等人。


“最美的次中音”——Stan Getz



Stan Getz于1927年出生于纽约，十五岁时开始专业训练。一年之后他与Jack Teagarden合作，在随后的四年间分别还和Stan Kenton、Jimmy Dorsey、Benny Goodman一起演奏过。1947年9月，他加入了新的Woody Herman大乐队，成为萨克斯组“四兄弟”成员：Stan Getz、Zoot Sims、Herbie Steward、Serge Chaloff。1948年十二月的专辑《Early Autumn》中，Stan Getz的萨克斯演奏音色开始形成自己“Cool”的特色——少有泛音并且几乎不用颤音。这种演奏风格顿时开拓了许多爵士萨克斯演奏家的想象空间，使得他们分成了两大阵营：一种是以Coleman Hawkins和Charlie Parker音色为典范的饱满的硬波普风格；另一种是以Stan Getz为典范的清晰轻盈的音色。

不过有趣的是，Stan Getz一直认为自己是一位Bop音乐家。他的第一张录音制作于1946年7月，名为“Stan Getz and His Be-Bop Boys”。尽管吸毒的毛病几乎毁了他的演奏生涯，然而整个五十年代他一直是一位站在显要位置的萨克斯演奏家。他艺术性地将酷派音色和眼花缭乱的Bop演奏技巧完美地融合在一起，这一点在他1952年的四重奏录音《Stan Getz Plays》中得到充分地展现，其中Getz的Bop演奏堪与任何一位一流的Bop萨克斯演奏家一较高下。
   
   
“Hard Bop大师”——Sonny Rollins



五十年代诞生了两位超级的次中音萨克斯演奏家：John Coltrane和Sonny Rollins。尽管在接下来的十年间John Coltrane逐渐成为众目之焦点，但在五十年代后期，Sonny Rollins绝对是最具影响力的次中音萨克斯演奏家。1930年出生于纽约，Rollins成长于能轻易看到Coleman Hawkins，Thelonious Monk和Bud Powell这些大师的环境之中，当Bop这种新的音乐形式出现时，他专注地观察学习着大师们的演奏。十八岁那年，他与Babs Gonsales合作留下了首次正式的录音，次年他就参与Bud Powell、Fats Navarro的录音，对于一个十九岁的年轻人来讲，这些都是重量极合作伙伴。随后，他旅行到芝加哥，跟鼓手Ike Day学习了一阵，从打击乐器的学习过程中Rollins发现有助于丰富萨克斯演奏的节奏观念。

Sonny Rollins是爵士乐即兴的顶尖大师之一。他对次中音萨克斯的控制力十分精湛，其独奏与和弦的契合轻而易举，甚至在快速演奏段落中也是如此。他的即兴旋律丰富很有创造性，几乎是Charlie Parker以来所仅见的。

除了和Miles Davis等其他人合作以外，Sonny Rollins作为Clifford Brown-Max Roach四重奏的一员留下了非常出色的录音。Brown-Rollins的作品“Kiss and Run”、“Pent-Up House”和“Valse Hot”是五十年代最出色的Trumpet-Tenor的经典录音，Brown和Rollins演奏得相当悠闲和富有想象力。

七八十年代期间，Rollins的演奏与五六十年代有很大不同。他的音色比五六十年代更为宽厚、粗糙，演奏也失去了当年速度与敏捷，对萨克斯刀锋般敏锐的掌控力也一去不回了。他的旋律演奏使人想起那些流行风格的节奏布鲁斯，简单而充满疯克味道。


“迷失的小号手”——Chet Baker



很少有爵士乐音乐家像Chet Baker般即浪漫又充满悲剧色彩。Chet Baker是一位抒情的、自学成才的即兴乐手，拥有无比柔和的音色，每个音符的滑过像是轻轻的飞吻一般。Baker早期的音色有些像Miles Davis，冷静而略微拖拍。他惨白的面容、好莱坞明星似的外表以及坏男孩的名声，使得他成为西海岸冷爵士的招牌人物。他的演奏尤其是抒情曲，融进了某种不安和感伤，不仅唤起了爵士爱好者的想象，而且也使得公众对其音乐和生世也有着强烈的兴趣。Baker尖而细语般的嗓音在今日的受欢迎程度甚至超过其全盛时期。要想领略他小号演奏上睡眠般的亲密音色，“I Fall In Love Too Easily”和“Everything Happens To Me”这类曲子十分适合。

Baker从来未学过读谱，完全是在军乐队中将小号练习起来的，自己发展起一种充满空间和内省的音色。到Los Angeles以后，他和Charlie Parker有过一段短暂的合作，使得自己被乐界注意。同年的晚些时候，他和Gerry Mulligan的四重奏合作，由于没有钢琴、只能进行小号和低音萨克斯之间的交互演奏，使得Baker很快建立起自己的演奏风格。早期Gerry Mulligan的四重奏时的曲子“My Funny Valentine”引起了广泛的好评，使得Baker脆弱的音色成为“Cool Jazz”的一个典型。1953年，Baker开始与钢琴家Russ Freeman合作录音，巩固了其作为一名爵士乐明星的地位。不久他就建立起了自己的乐队，从五十年代中期至五十年代晚期，他推出了一系列成功的唱片，是他一下走上通往巨星的道路。而其中一个关键的因素即是他的演唱，他的演唱延续了其小号演奏上的沉思和脆弱。他的外表为他赢得声誉也带来臭名，而不时冒出的关于他吸毒的新闻也有损其演奏生涯。

1960年Chet Baker的世界彻底崩溃了，当他在意大利巡演时被判刑入狱。1961年回到美国后，他与George Coleman以及Kirk Lightsey制作了几张不错的专辑。到1968年，Chet Baker的演奏生涯看上去是彻底的毁了，在与毒品贩子的争吵过程中他的牙齿被打掉了，因此有两年时间基本停止了演奏。直到1973年，他才在纽约重新出现在舞台上。虽然Chet Baker还是被摆脱掉毒品的困扰，但他确实恢复了其在爵士乐界主要小号手的地位。1988年阿姆斯特丹，在不知名的情况下，Chet Baker从二层楼的窗户掉了下来摔死了。之前他还在Bruce Weber的记录片《Let’s Get Lost》中演自己的角色。


“被逼出来的鼓手”——Art Blakey



1919年Art Blakey出生于匹兹堡，尽管以鼓手的身份闻名，但Blakey早先学的是钢琴。他转向鼓的演奏首先应该归功于钢琴手Erroll Garner的出现（Art Blakey因此被“抢”了饭碗）。而且非常有意思的是，一次常规的演出过程中鼓手突然病了，平日也喜欢玩鼓Blakey竟被一黑帮匪徒硬逼着顶替鼓手上去演奏，从而“无奈”之下就此成了鼓手。

1942年Art Blakey曾为Mary Lou Williams在纽约的首演打鼓，他合作的对象还包括1943年Fletcher Henderson的强力摇摆大乐团、传奇般的Billy Eckstine乐团（其成员包括Charlie Parker、Dexter Gordon、Dizzy Gellespie、Miles Davis、Thelonious Monk）。鼓手Max Roach和Kenny Clark是经典Bebop组合中最为引人注目的人物，但是不久后Art Blakey就成为Hard Bop运动中杰出的乐队领导者。

与受古典音乐影响的西海岸冷爵士流派相比，Hard Bop结合了Bebop器乐演奏方面的自由以及汹涌的Gospel音乐节奏，非常适合新的长时间的唱片录音技术的发展，曲子在叙事般的节奏下延长了而且加入了对比分明的独奏。他的踏钹和小鼓的演奏技巧是非常有传奇性的，而且从他的Jazz Messengers乐队走出来的音乐家也都是传奇类的人物。Jazz Messengers乐队是一支始终流浪在旅途的大学校，钢琴手Joanne Brackeen就是Art Blakey的发现之一。他的演奏比较具有冒险性，而且鼓励大胆和个性鲜明。Blakey打雷般的演奏几乎成为自己一个注册标志。追求力量并不是说他的演奏不够细腻，相反，Blakey对Monk的节奏观念有不同寻常的认同感。1957年，他加入了Monk历史性的乐团，其中成员还包括Coleman Hawkins和John Coltrane；1971年又与其录制了在伦敦的三重奏（《Something In Blue》和《The Man I Love》两张专辑），中间有Blakey作为一名鼓手最具表现力的演奏。有一段时间由于Blakey信伊斯兰教，将自己更名为Abdullah Ibn Buhaina,因此还有了一个绰号“Bu”。

在大量采用电声乐器的七十年代，Blakey启发和鼓励了原声爵士的创作和推动；Miles Davis有一次评价到“假如Art Blakey会过时的话，那我就成为白人了”。这段评价十分中肯，在Jazz Messengers的继任乐手Wynton Marsalis和Terence Blanchard的努力下，八十年代硬波谱又回潮大受欢迎。在英国，1986年一些英伦的黑人乐手在电视上接受采访时也强调Art Blakey影响了几代爵士乐迷，其中就有Courtney Pine和Steve Williamson。直到其1990年去世，Blakey始终未停止发掘新乐手、给予他们演奏中注意热情和精确方面的教诲。

当Art Blakey演奏时，总是张着嘴，有着一副专注而痛苦的鬼脸，回忆他的演奏技艺直到现在还是会让你大跌眼镜。作为一名鼓手，Blakey不会被忘记，而作为Jazz Messengers的领导者，他孵化了成千上百个有影响力的乐手，这份功绩将永远为世人称赞。

【代表人物】
Chet Baker、Bob Brookmeyer、Russ Freeman、Red Mitchell、Blue Mitchell、Donald Byrd、Art Farmer、Lee Morgan、Freddie Hubbard、Tommy Turrentine、Pepper Adams、Frank Foster、Benny Golson、George Coleman、Oliver Nelson、Stanley Turrentime、Joe Hendson、Curtis Fuller、Tommy Flanagan、Cedar Walton、Duke Pearson、Bobby Timmons、Wynton kelly、Kenny Drew、Cannonball Adderley、Jackie Mclean、Phil Woods、Paul Chambers、Sam Jones、Percy Heath、Philly Joe Jones、Art Tylor、Art Blakey、Horace Silver、Jimmy Smith、Wes Montgomery、Kenny Burrell

第五章    爵士乐的嬉皮运动



六十年代，整个世界都处于一种动荡不安的时期。美国更是充满了各种社会和政治问题，越南战争、种族问题与民权运动、冷战柏林墙、肯尼迪及黑人民权运动领袖刺杀事件等等。年轻人以留长发、邋遢的装束、涂鸦等各种方式反抗传统的美国道德价值观，要求世界和平、人权平等。爵士乐手们也加入反抗者的阵营，通过他们手中的乐器来表达时代的痛苦、沮丧、愤怒、彷徨，在音乐形式方面的也是大胆革新，走向极致。

在《Porgy and Bess》和《Sketches of Spain》两张录音的间隙，Miles Davis领导的六重奏录制一张非常具有历史意义的关键性专辑《Kind of Blue》。这张专辑中的乐曲结构与1959年前的爵士乐曲有很大区别，它展现了一种新的爵士乐风格Modal Jazz—调式爵士。调式（Mode）来自于古典音乐中的教会式音乐，Miles Davis使用一系列的调式音阶或不常用的特殊音阶来取代和弦来构成音乐的骨架，在这基础上即兴。与之相反，对大多数传统爵士来讲，都是预先设定了演奏的时值和和声行进来进行即兴的，其中和弦的转换很频繁。Miles Davis在《Kind of Blue》专辑中会用一个调式音阶持续四小节乃至整个曲子，把所有的即兴都建立在单个调式音阶的反复演奏基础之上，而调式持续时间的长短则完全由演奏者自己判断决定，这样在一定程度上就打破了传统爵士演奏的框框。调式爵士在和声感觉上动态不强，几乎完全是以旋律来作为结构的，独奏者演奏时在调式音阶间进出构成一定的张弛效果，速度也快慢不一，整体上有种徘徊犹疑的感觉。像Miles Davis的“Milestones”、“So What”、“Flamenco Sketches”以及Coltrane的“My Favorite Things”、“Impressions”都是调式爵士的经典作品。

“自由爵士”起源于Ornette Coleman和Cecil Tylor即兴演奏方面的一种特殊手法——即兴演奏时摆脱预设的和声行进。由于有这种倾向，许多自由爵士的乐队中通常是不设钢琴的。因为之前的爵士乐中钢琴一直是和声行进的主要乐器，而且在没有和声行进和乐曲结构的情况下，许多钢琴手都无法舒服地即兴演奏。自由爵士有着强烈的反传统欧洲音乐体系的特点，大量引进非洲、印度尼西亚、中国、中东、印度音乐的观念，因为这些音乐都不十分依赖和声。与Bop和Cool爵士相比，自由爵士乐手在音色和音高上演奏手法更为多样，演奏时也更为激烈，时常超吹（超高音演奏），用乐器来模拟人的嘶喉、嚎叫、呜咽、呻吟等；并且演奏过程中无视调式和音阶，任意转换，声响效果十分刺耳，不过它有最大的一个特点就是充满激情，甚至许多时候听上去简直真的是疯了，只有疯狂的时代才会产生如此疯狂的音乐。
      

“爵士乐史上最冷静、睿智的人”—Miles Davis



   作为小号手，Miles是一位非常有旋律性的独奏者，与Count Basie、Thelonious Monk一样在即兴旋律的构造上很严谨，善于自我克制。他的许多即兴独奏给人一种事先仔细加工过的印象。其次在演奏中，Miles非常擅长使用休止，有时会故意漏过一些节拍不演奏，让鼓和贝司的声音跳出来，这是种很特殊的、很戏剧化的演奏技巧。六十年代Miles Davis通过使用哈蒙弱音器，形成了一种自己特有的纤弱、精致小号音色，这种音色在1963年的专辑《Seven Steps to Heaven》以及1959年的专辑《Kind of Blue》中得以充分得体现。

虽然Miles Davis在大多数的人印象中基本是位小号演奏家，但他作为一名乐队领导者和作曲家来讲可能更具影响力一些。现代爵士史的大部分潮流和风格的兴起都与Miles Davis领导下的乐队相关。实际上，Miles Davis是具有里程碑性质的几张专辑录音的乐队领导者。如1949年的专辑《The Birth of Cool》，对西海岸风格的形成起到很大影响；1959年专辑《Kind of Blue》，标志着调式爵士的诞生；1969年的专辑《In a Silent Way》和《Bitches Brew》，对爵士和摇滚的Fusion（融合）产生重要影响。

虽说这些成果不能完全归功于Miles Davis个人，不过他确实称得上是一位最好的监工，许多现代爵士风格潮流的出现，总是与他领导的乐队有关。Miles始终那么具有开拓性，使得乐迷们都无法完整地了解他音乐生涯各个阶段的活动，不同时期Miles的音乐风格会大相径庭。Miles Davis始终睁大着双眼，在关键时刻，为他自己的乐队选择具有开拓精神的作曲家、编曲家和乐手。


“吹塑料萨克斯管的大师”Ornette Coleman



Ornette Coleman是六七十年代爵士乐界最具影响力的人物，许多人认为其在爵士史上的地位可以与Charlie Parker和John Coltrane相提并论。尽管他也玩小号、小提琴、但Coleman主要还是位中音萨克斯演奏家。他1958-1959时期的演奏音色还比较柔和纯净，后来逐渐变得鲜明锋利起来。

Coleman是最具原创性和多产的作曲家之一，其二十多张专辑中的每一首曲子都亲自操刀。他在旋律构想上有着异常的天赋，就像Thelonious Monk一般，曲调尽管简单、节奏与和声效果怪异，但十分吸引人。 Coleman的即兴演奏不是建立在预设的和声行进基础上的，对他来讲，旋律是第一位的，和声是次要的。

Coleman的《Free Jazz》专辑虽不是他最出色的专辑，但毫无疑问是最有影响力的作品之一，其历史地位堪与Miles Davis的《Kind of Blue》专辑并驾齐驱。1964年在纽约的录音棚里，Coleman集合了八位爵士乐手将其分成两组：他自己、Don Cherry、Scott La Faro和Billy Higgins一组；Eric Dolphy、Freddie Hubbard、Charlie Haden和Ed Blackwell为另一组。在没有排练的情况下，八位乐手完全即兴演奏，事先不知道主题旋律、和声行进、曲式结构。唯一可以依靠的，只有乐手之间相互的聆听，其实乐手基本也只能凭直觉按自己的风格方式去演奏，鼓、贝司、萨克斯、小号等乐器各自即兴，构成了复杂的相互交织的旋律，听惯了传统爵士的听众，可能会认为这根本就是种噪音。但是当你试着努力去抓住每一条旋律时，会发现卷入一个令你头脑分裂的巨大漩涡，你永远只能抓住某几样乐器的演奏片断，无法完整地在头脑记忆和重复音乐，这是绝对是种新的聆听经验。


“洗过盘子的前卫钢琴演奏家”——Cecil Taylor



Cecil Taylor1929年出生于纽约，是战后先锋爵士的一位巨人，由于其演奏异常剧烈且充满张力，Taylor被拥护为二十世纪最伟大的钢琴演奏家。他对作家John Litweiler谈到：“对我们黑人来讲，钢琴是件打击乐器。我们敲击键盘、试图用力贯穿这件乐器，将力量融入到音乐中去。假如算是误解的话，黑人音乐对我而言就是种尖叫。”

Taylor出生于长岛，五岁时学习钢琴不久又学习打击乐器。他曾在纽约音乐学院和波士顿的新英格兰艺术学院学习进修过，尽管他说自己通过Duke Ellington的唱片学到的也许更多。早期Taylor对欧洲古典作曲家的东西很感兴趣，尤其是Stravinsky，不过对其影响最大的还是爵士乐，诸如Duke Ellington、鼓手Sonny Greer、Chick Webb，以及自Fats Waller、Erroll Garner、Thelonious Monk至Horace Silver的一系列钢琴演奏家。尽管他最初的合作对象是摇摆时代的一些著名乐手，如Oran “Hot Lips”Page，Johnny Hodges和Lawrence Brown，但五十年代中期Cecil Taylor已组建了自己的乐队并为将来音乐上的革新打下了基础。他早期的合作对象包括Buell Neidlinger、Dennis Charles、Steve Lacy和Archie Shepp，第一张专辑就已经表现出惊人的洞察力，有意识地疏远主流爵士风格。六十年代早期，Taylor与Sunny Murray、Alan Silva、Jimmy Lyons（其最长的合作伙伴）等合作，这时所创作的音乐已摆脱了调性的束缚、正规稳定的节奏形式，听上去十分的抽象。然而，随着1959年Ornette Coleman来到纽约演奏他自己版本的“Free Jazz”后，很大程度上削减了其他音乐家在音乐探索方面的成就，而Taylor过于抽象复杂激烈的音乐被公众和传媒所忽视了。不过还是有一小撮的年轻先锋音乐家——最有名的当数Albert Ayler非常热情地拥护Taylor的风格。整个六十年代Taylor过着困苦的生活，为生计还洗过盘子；慢慢地他的影响力逐渐渗入爵士乐圈，尤其是Blue Note唱片公司1966年出版了两张出色的唱片，两张唱片中都有其长期合作的特色乐手Alan Silva、Jimmy Lyons、Andrew Cyrille和Henry Grimes；另外，《Unit Structures》中还有Ken Mclntyre和Eddie Gale Stevens；《Conquistador》专辑中又Bill Dixon加盟。1968年，Taylor与爵士作曲家大乐团合作了一张专辑，1969年与Jimmy Lyons、Andrew Cyrille、Sam Rivers一起的现场演出在一个法国厂牌Shandar旗下出版，但是总体来讲录音的机会还是很少。七十年代，他开始从事教育工作，在威斯康星大学以及俄亥俄、新泽西等地的学院授课。1973年，Taylor建立了自己的厂牌“Unite Core”，出版了《Indents》和《Spring Of Two Blue-Js》两张专辑。后来出的一系列专辑有包括日本 “Trio”唱片公司的，美国Arista旗下的Freedom唱片公司的，欧洲Enja唱片公司的，这个时期Taylor在集聚自己的能量。到八十年代早期，Taylor就固定为欧洲的“Soul Note”和“Hat Hut”厂牌录音，八十年代后期“Leo”和“FMP”唱片公司也开始支持他的作品出版。这时他的演奏群体包括固定成员Alan Silva、Jimmy Lyons、Andrew Cyrille，加上Sirone、Ronald Shannon Jackson、小提琴手Ramsey Ameer、Jerome Cooper、William Parker和打击乐手Rashid Bak。乐团的影响效果以乐器急流般的争斗、密不透风的结构、混乱、翻腾、飞舞似的即兴为主要特征，通常可以持续两三个小时而不停顿。

Taylor也录制过一系列令人耳晕目眩的独奏专辑，著名的有《Fly!Fly!Fly!Fly!Fly!》以及《The Live Double-set Garden》，显示了Taylor是爵士史上最眩、最有力量的钢琴演奏家之一。另外Taylor还出版过两张令人难忘的双重奏专辑，一张是与Mary Lou Williams合作的《Embraced》；另一张是和Max Roach合作的《Historic Concert》，这些成功的合作进一步提高了他的知名度。1985年，Taylor出版了他的第一张大乐队作品《Winged Serpent》，由Soul Note唱片公司出品。1986年，Jimmy Lyons死于肺癌，Taylor失去了他最亲密、最忠诚的音乐合作伙伴。

Taylor充满巨大能量的演奏以及猛烈的气势使得许多听众认为其音乐在结构上没有基础，但是作家Ekkehard Jost在其《Free Jazz》一书中证实Taylor的作品中有些东西是有规律地重复出现的。除了录制唱片以外，Taylor还为一些舞蹈、诗歌配乐，甚至还写了一本名为《黑人音乐地方法论概念》的书。

【代表人物】
Albert Ayler、Archie Shepp、Henry Threadgill、Sam Rivers、David Murray、Anthony Braxton、Pharoah Sanders、Dewey Redman、Bobby Bradford、Steve Lacy、Freddie Hubbard、Sunny Murray、Andrew Cyrille、Paul Motian、Keith Jarrett、Paul Bley、Sun Ra、Dave Holland、Charlie Mingus、Steve Swallow、Richard Davis

第六章    困惑而严肃的问题——What is Jazz？

七八十年代，由于摇滚乐的发展成熟、自由爵士及各种先锋实验音乐大行其道，主流音乐的规范统统都被打破。各种各样的音乐形式的相继涌现，传统爵士乐几乎被逼入绝境。而爵士乐本身也在发生巨大的变化，一些老派的爵士音乐家们纷纷疑惑“爵士乐到底成了什么样子了？”，再加上生计、种族歧视等问题，像Dexter Gordon等音乐家，都选择去欧洲，因为在那里，他们还像个艺术家的样子，能获得应有的尊重。这段时期，Fusion和Avant Garde（Experimental）是爵士乐的两个主要发展趋势。

说起Fusion，我们又不得不提到Miles Davis，与老派的爵士乐手不同，他始终是朝前看的，没有回避爵士乐萧条的现实，而且也时刻注意着摇滚乐的发展，希望将自己的音乐带到人群众多的地方去，通过演出来重新建立起新的观众群。在制作完《Bitches Brew》专辑不久以后，他答应为摇滚乐队the Grateful Dead在旧金山的Fillmore的演唱会担任开场嘉宾。这一举动的巨大影响力不容低估，因为他是当着5000白人嬉皮士的面演奏，而且这一演出是巡回全国的。不久他就回到乐迷的视线中来了，建立起自己的新的听众群，并且通过与乐迷和摇滚乐手的合作，给予他音乐创作上新的灵感。其实在录《In a Silent Way》和《Bitches Brew》专辑时，Miles Davis已经在爵士乐中引进电子乐器和录音室制作等手段。在Fillmore演唱会过后，他更坚定了这个方向。七十年代，他频繁地与一群年轻的独奏乐手合作录音，如John Mclauhlin、Chick Corea、Herbie Hancock、Wayne Shorter、Joe Zawinul、Ron Cater等等。这时期Miles为他的小号装上扩音装置，加上了电吉他的蛙音效果，专辑中明显可以听到来自电子乐大师Stockhausen、Ornette Coleman、纽约街头音乐、Funk音乐家Sly Stone和James Brown等人的影响。1972年的专辑《On the Corner》，虽然在商业上不成功，但是却是张充满实验精神的专辑，使得Miles后来音乐生涯发展的观念初步成型。Fusion时期的另外一些著名的乐队还包括Larry Coryell的Eleventh House、Tony Williams的Lifetime、John Mclaughlin的Mahavishnu Orchestra、Weather Report以及Chick Corea的Return To Forever。

Avant Garde（Experimental）某种程度上是Free Jazz的一种延续。从五十年代至七十年代，不断变化与开拓始终是爵士先锋派的一个重要内容，越来越远地背离传统，为音乐注入新的节奏、调性和结构。实际上，Avant Garde就是形式上不固定，无法将其归类的同义词，它比Free Jazz奏得更远。无论何种形式的结构都是为了将独奏放入一个框架之中，使得抽象的旋律乃至噪音之间都形成一定联系。略有安排的结构与天马行空的独奏还是会使你想起“Free Jazz”，因此索性将作曲直接融入即兴演奏，这样就很难分清那边该开始哪边该结束了。没有了结构的限制，各种类型的音乐主题都可直接切入，从此就没有任何法则的约束了。Avant Garde风格主要以Sun Ra、AACM（The Association For The Advancement of Creative Musicians）、The Art Ensemble of Chicago、Anthony Braxton等为代表。



“融合爵士吉他之父”-John McLaughlin



约翰．麦克劳林，1942年1月4日出生于英国约克郡（Yorkshire）的一个小村子里，父亲是工程师，母亲是业余小提琴演奏家，从小就受到古典音乐的熏陶（贝多芬，巴哈，布拉姆斯）。十岁时，麦克劳林的一个哥哥有一把吉他，并教了他三个和弦。麦克劳林疯狂的爱上吉他，同时开始聆听Muddy Waters、Big Bill Broonzy、Leadbelly等早期蓝调大师的唱片。之后，他又开始听吉他大师Django Reinhardt及Tal Farlow的音乐（这两个乐手据称是麦克劳林的吉他“英雄”！），十六岁的麦克劳林终于踏出职业生涯的第一步，加入一个名为Professors of Ragtime 的传统爵士乐团，随后，麦克劳林跟着乐团到达英国爵士乐的中心-伦敦。1969年初，麦克劳林与Tony Oxley、John Surman（萨克斯风手）、Brian Odges（贝斯手）合作，录制了个人首张专辑“Extrapolation”。

1969年3月，由Tony Williams、约翰．麦克劳林、Larry Young所组成的Lifetime乐团正式成立，首张专辑“Emergency”也在三月底录制完成。Lifetime后来（1970年）还录了一张“Turn It Over”专辑。1971年初，他离开Lifetime之后，Miles Davis建议他应该组一个属于自己的乐团，于是他开始筹组团员，组建了 Mahavishnu Orchestra（天赐怜悯，力量与正义的意思）。

Mahavishnu Orchestra于1971年推出了第一张专辑“The Inner Mounting Flame”，以复杂的拍子（如13/8，7/4）及和弦为歌曲架构，鼓手强而有力的脉动，配合麦克劳林以类似摇滚吉他手Jimi Hendrix“高能量”的独奏及爵士乐风格的背景衬托之下，形成一种新的乐风，也为后世融合爵士乐立下了范本，堪称经典名作！72年录制的“Birds Of Fire”及73年的“Between Nothingness”承袭了同样的风格。早在70年初，麦克劳林就开始学习印度音乐的歌唱法及事师印度西塔琴大师香卡，73年，他与印度乐手L.Shankar（小提琴手）、Zakir Hussein（Tabla，印度鼓）及Raghavan（Mridangam，印度南方之敲击乐器）合作，他 专心致力于纯Acoustic（不插电的乐器）音乐的演奏，与上述的印度乐手组成Shakti乐团（1975），Shakti共推出三张专辑，包括“Shakti”（1975）、“A Handful of Beauty”（1976）与“Natural Elements”（1977），新的风格依然是力道十足，只不过这次是以“低分贝”的方式表达Shakti结束后，麦克劳林再度回到西方音乐，于70年代末及80年代初分别与吉他手Paco De Lucia、Larry Coryell或De Lucia、Al Di Meola吉他三重奏演出，另与法国吉他手Christian Escoude以二重奏弹奏，其中以81年现场录制的“Friday Night In San Francisco”最为精彩。


“Avant Garde的大本营”——AACM



AACM（The Association For The Advancement of Creative Musicians）是六十年代早期由萨克斯手Fred Anderson和钢琴手Muhual Richard Abrams创建起来的以芝加哥为中心的现代爵士音乐家组织。这个组织筹办演唱会、录制唱片、提供音乐培训，提携所有那些不局限于传统的Bop演奏的黑人乐手。他们的音乐不同于Fusion，没有电子的成分。AACM的大量作品使你联想起Sun Ra和Ornette Coleman的音乐，而且很多方面受到Charlie Mingus作品的影响。第一，其节奏上没有传统爵士的流畅和明显特征；第二，独奏时非常自由，为了情绪而演奏，摆脱了Bop的演奏框架；第三，在节奏的变化和分类上比传统爵士要多得多；第四，演奏时的音色十分粗暴，用Charlie Mingus的话来讲，每一场演出都应该像个露天的工厂，作品不该是经过抛光打磨的成品。AACM在七十年代是十分具有影响力和活跃的，它的第一批毕业生包括the Art Ensemble of Chicago、Anthony Braxton、Henry Threadgill等等。


“自我隐藏的萨克斯演奏家”——Wayne Shorter



Wayne Shorter被认为是Miles Davis六十年代传奇五重奏中“最有主张的人”，并且这位次中音和高音萨克斯手还将其创造性带入Hancock-Shorter的四重奏。从其音乐生涯早些时候开始，Wayne Shorter就在不断证实自己是当代爵士音乐圈中最重要的铜管乐手。

1933年Shorter出生于新泽西，1956年至1958年在军中服役。随后他开始与钢琴手Horace Silver合作，并通过在Maynard Ferguson乐队中的演奏，Shorter在纽约爵士乐圈逐渐建立起名声。同时这也使得他有机会在1959年至1963年间加入Art Blakey的乐队，成为一位被受关注的萨克斯演奏新星。Shorter最先的录音是在“Vee Jay”厂牌下的，有三张专辑《Second Genesis》、《Blues A La Carte》和《Wayning Moments》。从那开始他为Blue Note公司录下从《Night Dreamer》、《Juju》、《Adam’s Apple》到《Schizophrenia》等专辑，与其合作的都是顶尖的乐手。

在为Blue Note公司录音的同时，1964年Miles Davis将Wayne Shorter吸收入自己的乐团。在那骚乱的十年间，Shorter与Herbie Hancock、Ron Carter、Tonny Williams在Davis领导下共同创造了一种新的声音，改变了爵士乐的形象。这个组合一直持续到70年，当Wayne Shorter和Joe Zawinul一起创建了Weather Report。

通过自己的独奏生涯以及和Weather Report的一系列合作，Shorter重新确定了音乐上的融合观念，借用各种各样的形式，包括爵士、摇滚、古典和电子等等。自1969以后他几乎每年都在《Downbeat》年终投票中获提名。

1974年Shorter为Columbia公司录制了一张里程碑似的独奏专辑《Native Dancer》，这次录音中有很多令人印象深刻的音乐家共同参与，如来自巴西歌手Milton Nascimento、Airto和Herbie Hancock。这时期，除了爵士乐界Shorter的才华还被摇滚及民谣界所赏识，他参与了Joni Mitchell和Steely Dan专辑的制作。当Herbie Hancock想组建其VSOP五重奏再现六十年代Miles Davis时期的经典声音时，Shorter又和Ron Carter、Tonny Williams、Freddie Hubbard共襄盛举。在电影“Round Midnight”中，Shorter也出演了一个角色，演奏高音和次中音萨克斯。同时期，他还与钢琴手Michel Petrucciani和吉他手Jim Hall录制了一张名为《Power of Three》的专辑。

从其1986年《Phantom Navigator》可以看出八十年代Shorter在他的音乐生涯上正朝着新的方向稳步前进。这张专辑中包括四个键盘，一组鼓机，是Shorter在Weather Report时期风格的进一步拓展。像六十年代早期Miles Davis提携Shorter一样，Shorter在其乐团中以同样的方式帮助杰出的新乐手。近年来，如键盘手Jim Beard、鼓手Terry Lyne Carrington，打击乐手Marilyn Mazur都是Shorter极力扶持的一些新人。

纵观整个音乐生涯，Shorter非常清醒地意识到那些人影响其演奏风格的形成：Coleman Hawkins、Lester Young、Ben Webster和Charlie Parker。同样他也拥有自己特殊的演奏特征，从John Coltrane开始至Eric Dolphy结束，Shorter尝试着像位印象派画家一样用音乐来讲故事。《Rolling Stone》杂志的Bob Blumenthol对 Shorter评价道“过去这么多年来一直自我隐藏的最伟大音乐家，一位令人震惊的作曲家兼萨克斯演奏家”。


【代表人物】
Herbie Hancock、Joe Zawinul、Jan Hammer、Randy Brecker、Michael Brecker、David Liebman、Steve Grossman、Al Dimeola、Steve Khan、Stanly Clarke、Jaco Pastorious、
Jerry Goodman、Billy Cobham、Lenny White、Muhal Richard Abrams、Roscoe Mitchell、Joseph Jarman、Lester Bowie、Malachi Favors

第七章    纷争，将Jazz带入下世纪？




爵士乐进入八九十年代，最显著的特征就是各种流派相互纷争。各种流派都想通过努力来证明自己、造成一定的影响。然而都只是占一时的上风，“你方唱罢我登场”罢了。 这十几年间，虽然没有形成统一清晰的风格，爵士乐却不乏活力，成批二战后出生的年轻乐手涌现获得评论界的承认，唱片公司也大力推新人和新音乐。八十年代，美国国会正式宣称爵士乐为本民族的文化财富，爵士乐界新老乐手也完成角色转换。

Wynton Marsalis这位绅士风度、有着相当高音乐水准的年轻人，在爵士乐界掀起了一股复古的潮流，支持传统，抵制任何来自流行乐、摇滚和融合的影响，保持爵士乐的纯洁性。以他的出现在爵士乐界掀动了一股“Young Lions（年轻的狮子）”运动，使得几大唱片公司纷纷签约和推广新人。年轻的狮子们基本受过良好的教育，在音乐方面则有着波普和硬波普的扎实的功底，他们的出现就是为了在下个世纪重新复兴爵士的传统。这股潮流也被称作是“Neoclassicism（新古典主义）”。新古典主义的另外两位杰出代表为小号手Freddie Hubbard和the World Saxophone Quartet。

八九十年代，Miles Davis组建其超级的电声乐队，继续Fusion的探索，录制了《The Man with the Horn》、《Aura》、《Amandla》一系列专辑，其中合成器与电子的份量相当重，充分体现了Miles一贯与时俱进的作风。Free Jazz之父Ornette Coleman这个时期也不闲着，忙着在Free Jazz中也大胆引入电声乐器，七十年代初他组建的“Prime Time”乐队，由两个四重奏乐队组成（两位电吉他手、两位电贝司手、两位鼓手加上他的一把中音萨克斯），在古怪的Funk节奏之上进行无调性的演奏。后来这种风格被其三位成员（吉他手James “Blood” Ulmer、贝司手Jamaaladeen Tacuma、鼓手Ronald Shannon Jackson）发扬光大，形成一种称之为“Free Funk”的风格，而且这种风格对M-Base的一些乐手，如中音萨克斯手Steve Coleman和Greg Osby都产生过重要影响。

这时期比较有趣的一些风格还包括The Pat Metheny Group、Paul Winter、Steve Lacy等人在爵士乐中融入New Age音乐；萨克斯手Evan Parker、Peter Brotzmann、Mats Gustafsson尝试着将Avant Garde与Free Jazz结合；萨克斯手Steve Coleman领导下的M-Base的无法归类的风格。

                        
“年轻的狮王”——Wynton Marsalis



Wynton Marsalis出生于1961年的新奥尔良，他的父亲Ellis Marsalis、弟弟Branford Marsalis、哥哥Delfeayo Marsalis和Jason Marsalis都是爵士乐手（Marsalis一家被称作为“爵士乐的第一家族”）。Wynton六岁开始学习小号，同时学习古典和爵士乐。高中时，Marsalis就任新奥尔良市立管弦乐团首席小号手，十八岁时进入朱莉亚音乐学院学习。1980年，他加入“the Jazz Messengers”与Art Blakey合作。1981年，这位年轻的小号手成为整个爵士乐界的话题，他同Herbie Hancock一起巡演、与Columbia签约以个人名义出了第一张专辑。1982年，Wynton又组建了自己的四重奏乐队，录了第一张古典专辑，迅速地跻身于顶尖的古典小号手之列。他完全成为了一名超级明星，获得了无数的奖项和好评。

尽管Wynton十分出色，可也算是一位备受争议的人物。他攻击1965年以后的Avant Garde风格已经偏离了爵士，70年代的Fusion爵士十分无聊；而且作为林肯中心爵士乐乐团的音乐指挥，他的领导作风被人指责有种族和年龄方面的歧视。然而除去这些，不可否认的是Marsalis与年轻乐手合作的作品充满灵感、十分出色，许多年轻的乐手都是他引介入爵士乐圈的，像小号手Roy Hargrove等少数乐手的成功更是直接受到了他的提携和帮助。

音乐生涯的早期，Wynton Marsalis的小号演奏不是被过度指责就是被吹捧过高。与the Jazz Messengers合作时期，其演奏主要受到Freddie Hubbard的影响。当他组建了自己的乐团以后，又有些像Miles Davis，当然他的演奏技巧要比Miles高。因而，Wynton被各大主流传媒吹捧的同时，一些严肃的评论家总是对其音乐方面的成就有些疑问，评价不高。甚至在许多听众的眼里，Wynton只是Miles的一位模仿者，其实他们忽略了Wynton演奏中的即兴和发展。在1990年的专辑《Tune In Tomorrow》中，Wynton通过研究早期爵士风格（对Armstrong的风格进一步开拓）、掌握哇音弱音器演奏以及学习Duke Ellington，终于形成了自己特有的风格。从这时开始，Wynton即使是演奏Miles的经典曲时也完全拥有了自己的音色，完全具有了爵士乐大师的风范。


“爵士演奏的新观念”——M-Base



M-Base的全称为Macro-Basic Array of Structure extemporizations，由萨克斯手Steve Coleman提出的口号，并形成一个名为M-base Collective的组织（1982-1995），成员包括Gary Thomas、Cassandra Wilson、Greg Osby、Graham Haynes、David Gilmore、Kevin Bruce Harris、Marvin Smith、James Weidman等等。

M-Base的具体涵义是什么呢？对M-Base的音乐家来讲，这种音乐意味着将即兴和结构为主要手段来表达自身的经历，在即兴、风格、结构方面没有任何的限制。它不是一种音乐风格，而是一种构思创造性音乐的思维方法，M-Base的主要目的是通过创造来达到乐手的自我成长。这种成长不仅仅是指演奏技巧上的，更为关键的是通过音乐演奏来拓展看事物的观点和角度，同时学会如何来表达个人体验。由于M-Base的宗旨是用音乐来表达文化和哲学观念，因此各个乐手的风格就无所谓好坏之分，乐手在作品中表达的体验对于听众来讲，每个人都会有不同的感受，换句话说，听众听到什么取决于听众是个什么样的人。举个例子，尽管Parker的音乐大家都知晓，可当你和其他人谈论Charlie Parker时，你也很难与其达成一致的意见。

从M-Base的一些具体音乐作品来看，其有着复杂的音程、噪音实验以及Funk节奏，而且部分地保留了Bop的结构观念。但对年轻一代的乐手来讲，M-Base的音乐观念有着更大深远的影响，鼓励他们摆脱门户之见，用体验来演奏突破技术的限制。

【代表人物】
Terence Blanchard、Donald Harrison、George Lewis、Jack Dejohnette、Pat Metheny、Anthony Davis、Ray Anderson、Chris Potter、Evan Parker、Peter Brotzmann、Ken Vandermark、

第八章     爵士乐的异域风情



对于爵士乐来讲，其本质是追求自由的表达方式，因而从来都是不拒绝接受新东西的，异域风情的融入不足为怪。在爵士乐史上，Afro-Cuban和Bossa Nova是两种最为成功、影响最大的异域音乐与爵士乐的融合。

在所有后摇摆的爵士风格中，拉丁爵士（Afro-Cuban）始终是最受欢迎的一种音乐。它非常注重打击乐器和古巴节奏，因而能够随着音乐起舞比较容易为听众接受。在四十年代，Dizzy Gillespie和Machito的大乐队是将爵士和拉丁风格融合的最为出色的，这种音乐直到九十年代还十分具有生命力。Afro-Cuban Jazz实际上爵士即兴和来自古巴和非洲的节奏的一种结合。这种风格的起源要追溯到小号手以及编曲家Mario Bauza，是Bauza将Dizzy Gillespie介绍各古巴的打击乐器大师Chano Pozo，也是他劝说拉丁乐队领导者Machito起用爵士独奏乐手。在四十年代后期，Stan Kenton在他的风格中也融进了拉丁的节奏，其后随着Tito Puente和Cal Tjader等人的走红，Afro-Cuban Jazz成为最受欢迎的爵士乐风格之一。

  受西海岸风格的影响，五十年代作曲家Antonio Carlos Jobim将巴西的桑巴节奏与爵士融合形成了一种新的音乐形式Bossa Nova，这种音乐有着轻快的巴西节奏和旋律以及酷派的即兴独奏和音色。五十年代末的电影《Black Orpheus》将Antonio Carlos Jobim的乐曲在美国推广开来，其他一些早期的Bossa Nova的代表人物有吉他手Charlie Byrd，次中音萨克斯演奏家Stan Getz,以及女歌手Astrud Gilbert，她和丈夫Joao合作的“The Girl From Ipanema”是Bossa Nova史上最为热门的歌曲，Bossa Nova从六十年代后期开始退潮，但是直到现在还是有许多人喜欢。

【代表人物】


“Afro－Cuban Jazz之王”——Machito'



Machito出生于1912年2月16日，尽管老爸是经营餐馆的，但他家也算是个音乐之家，Machito从小就有机会与一流的古巴音乐家演唱和演奏。在哈瓦那与几个乐团合作之后，他于1937年搬到纽约去了，跟随他的好友Mario Bauza一块演出 。Bauza是一个受过专业训练的古典音乐家，Machito成为他终身的合作伙伴。开始时Machito作为一位歌手混迹了数年，而Bauza则是Cab Calloway和Chick Webb的乐队音乐指导。

1940年，他们决定自己组团，尝试着将古巴的节奏、旋律、以及摇摆乐的管弦乐团编配结合在一起。时机比较凑巧，由于唱片行业之间的相互倾轧，市场一度缺新歌。以Afro－Cubans为名推出市场后，他们的乐团迅速与Decca公司签约，推出了一些热门乐曲，如“Sopa de Pichon”、以及Bauza的作品“Tanga”。

1942年Machito被征兵入伍以后，其姐姐Graciela来到美国，与Bauza合作在乐队中演唱。1943年由于受伤被遣送，Machito恢复演出。他的拉丁节奏开始影响许多纽约的爵士音乐家，最著名的当数Dizzy Gillespie，他曾在Cab Calloway的乐队中与Bauza合作过，当时正是“Bebop”这种新风格的领军人物。另一位受Machito影响的爵士音乐家是Stan Kenton，他的大乐队正大受欢迎。Kenton把Machito称作为“最伟大的Afro－Cuban Jazz倡导者”，甚至录了一支曲子并取名为“Machito”。

1948年VERVE唱片公司的制作人Norman Granz突发其想，将萨克斯演奏家Charlie Parker、Flip Phillips与Machito召集在一起录制了一系列的唱片。这时期Machito的唱片由于有Bauza和Chico O’farrill的共同创作和编曲，被认为是其音乐生涯中最为出色的作品。

Machito的乐队是许多爵士音乐家成功的起步，包括Johnny Griffin、Cannonball Adderley、Herbie Mann。这时期Machito还赢得了“曼波之王”的称号，参与了Joe Loco名为“Manbo U.S.A”的全国巡演。尽管曼波风潮在五十年代后期逐渐衰弱，Machito继续在美国和国外演出直到1984年因心脏病去世。他的最后一张专辑《Machito and His Salsa Big Band》赢得了1982年格兰美最佳拉丁专辑的奖项。



巴西的格什温——Antonio Carlos Jobim




Antonio Carlos Jobim出生于里约热内卢附近的Tijuca，原先Jobim打算成为一个建筑师。但是当他二十岁时，音乐对其诱惑力太大了，于是他决定开始在夜总会演奏钢琴和在录音室打工。1956年他与诗人Vincius de Moraes一起合作为一出名为“Orfeo do Carnaval”的剧目谱曲（后来被制作进那部引起美国公众较大反应的电影《Black Orpheus》），开始小有名气。1958年，不知名的巴西歌手Joao Gilberto录了一些Jobim的歌曲，掀起了Bossa Nova的风潮。而Jobim在巴西国外的成功要归功于1962年Stan Getz和Charlie Byrd使用其作品“Desafinado”的曲调录制了一首热门歌曲，那一年的晚些时候，他和巴西的其他一些音乐家被邀请参加卡耐基音乐厅的演出。由于Jobim的这些歌曲的推波助澜，Bossa Nova成为一种国际性的音乐潮流。许多爵士音乐家也加入进来，录制了大量的Bossa Nova专辑，直到六十年代后期这种风格再无商业利润可图。

Jobim的作品根植于爵士，五十年代的爵士乐手Gerry Mulligan、Chet Baker、Barney Kessel以及其他的一些西海岸音乐家对其产生重要的影响。但他自己声称法国印象派作曲家Claude Debussy对他作品的和声起到决定性影响，巴西的桑巴给他的音乐带来了独一无二的异域节奏体系。作为一名钢琴手，Jobim始终保持着音乐的简洁和旋律性，这一点让我们想起Claude Thornhill的风格。

1994年Jobim突发性心脏病去世，没有了他海风般温暖沁人的作品，整个世界仿佛骤然变得冷了些。这位巴西的格什温对爵士乐所作的贡献对于爵士史来讲始终是不可或缺的浓重一笔。
【代表人物】
Charlie Byrd、Astrud Gilbert、Joao Gilbert、Stan Getz、Tito Puente、Chano Pozo、Ray Barretto、Chico O’ Farrill、

第九章    爵士乐史上的跨时代人物（一）

“暴君”－Charlie Mingus

Charlie Mingus出生于1922年亚利桑那州的Nogales，小时候在Los Angeles生活时就开始学习音乐，十六岁时演奏贝司。跟交响乐队的音乐家学习的五年使他在音乐上打下了良好的基础。四十年代早期与Louis Armstrong、Kid Ory合作，1947—1948年间Mingus为Lionel Hampton的大乐队作曲并演奏。五十年代早期成立自己的唱片品牌，建立“Jazz Composer’s Workshop”，一个音乐家的联盟，企图抵制唱片工业的商业化操作。尽管他17岁时已写了第一个音乐会作品“Half-Mast Inhibition”，但直到二十年后这个作品与其它二十一个管弦作品一起才由Gunther Schuller指挥正式录了音。1955年在Brandeis 举行的创造性艺术音乐节上，Mingus结合古典和爵士的作品“Revelations”推出才确立了其最重要的爵士作曲家的地位。


Mingus从Duke Ellington、Charlie Parker、Thelonious Monk、黑人福音音乐、墨西哥民间音乐以及传统爵士、二十世纪古典音乐中获取灵感。他的杰作大都是与一些出色的即兴演奏家一起完成的，诸如小号手Thad Jones、鼓手Dannie Richmond、中音萨克斯Jackie Mclean、木管乐器演奏家Eric Dolphy等。Mingus同时也为一些电影谱写大部头的器乐作品。Mingus作品中为人重新演绎最多的当数“Goodbye ，Porkpie Hat”，这是个向Lester Young致敬的作品。

直到1977年年末被诊断出有一种罕见的神经性疾病为止，Mingus一直周游于欧洲、日本、加拿大、南美洲和本国大陆。此时他只能坐在轮椅上了，去世前的一些作品后来都是录在录音机上的。从六十年代至其去世时，Mingus始终是站在美国音乐的前沿的。当被问及对自己一生的自我评价时，Mingus说道：他的贝司演奏来自于刻苦的练习，而作曲的天赋则来自于上帝的恩赐。

Mingus一生获得不少的音乐奖项，其中包括国家艺术基金、古根海姆基金等等，古根海姆基金的Steve Schlesinger对Charlie Mingus的艺术成就评价道：“我们期待某一天能不局限于爵士乐的范围，承认Charlie Mingus是最重要的美国作曲家之一”；纽约人杂志对Mingus的评价：“具有十足原创性的旋律、节奏和音乐结构，他的作品堪与二十世纪西方音乐史的任何一部作品一较高下。”

Mingus的历史地位如此重要，主要是由于：

1、他是自Jimmy Blanton以来的最出色的贝司演奏家

2、一位使用非传统技巧和全明星阵容的乐队领导者

3、多产的作曲和编曲家

a、创造性地融合各种传统、现代爵士风格，从Jerry Roll Morton、Duke Ellington到Free Jazz。

b、使用多元化的音乐元素如黑人福音音乐、墨西哥音乐以及二十世纪古典音乐

c、能写十分具有个人特色的乐曲

1979年1月5日，Mingus于墨西哥去世，纽约和华盛顿特区在其死后为了纪念他都设立了“Charlie Mingus Day”。国家艺术基金会为Mingus设立了一项名为“Let My Chlildren Hear Music” 的基金。他的作品的微缩胶卷被存放在纽约公众图书馆音乐分馆供研究学习。


“萨克斯巨人”——John Coltrane



假如要列出一张爵士乐史上最伟大音乐家的名单，毫无疑问你会将影响了几代乐手的那些大师放进去，他们拥有高的天赋，演奏时充满骇人的力量，像超人一样令人敬仰。

五六十年代出现了一位这样的杰出人物：John Coltrane（1926-1967）。无论作为萨克斯演奏家、作曲家和乐队领导者，他对六十至八十年代的爵士乐都产生深远的影响。他引入爵士的即兴演奏观念为钢琴手、小号手、吉他手以及萨克斯手所学习吸收。

John Coltrane全名John William Coltrane，出生于北卡罗莱那州的哈姆莱特，在他外祖父家长大。在学校时他学的是单簧管，学校的乐团领队建议其母亲给他买一支中音萨克斯管。1939年，他的祖父和父亲相继去世，上完高中后他就搬到费城与母亲同住，这时期接受了一些短暂的音乐学习，然而他真正的音乐学习还是从加入职业演奏开始的。1949年到1951年期间他加入Dizzy Gillespie的大乐队，正式从中音萨克斯转向次中音萨克斯演奏

五十年代初期，Coltrane还不为公众所知，但他在1955年与Miles Davis的合作录音中已经形成了自己十分强力的演奏风格，到他1967年去世为止其风格还在不断开拓发展过程中。Coltrane的音色粗砺、尖锐、巨大而厚重。许多萨克斯手演奏时在高音区会音色变薄、低音区时又会不清晰和不够敏捷。而Coltrane的音色在任何音区始终都是饱满和有穿透力的。此外，他的演奏充满紧迫感，音乐听上去也十分严肃，几乎就没有一丝的幽默。纵观其音乐生涯，他的唱片显示了一种一贯的力量和灵感，即使在大师中间也是很少见的。与Charlie Parker并称，Coltrane是最具一贯性和演奏激烈的那类爵士独奏者。

五十年代中期以后，John Coltrane与Sonny Rollins成为纽约最抢手的硬波普风格次中音萨克斯演奏家。1957年他出现在21张重要的唱片录音中，与Thelonious Monk一起进行了短暂而富有有成果的合作。同年他回到费城，戒掉了吸食海洛因的毒瘾，开始拓展其个人风格（John Coltrane后来提到《A Love Supreme》这张专辑就是指一种精神上的觉醒），而且组建其经典的四重奏演奏形式。在一家名为the Red Rooster的俱乐部，他发掘了钢琴手Mccoy Tyner和贝司手Jimmy Garrison。

在为Prestige公司录制了几张专辑以后，Coltrane转签Atlantic唱片公司。1959年，他录下了《Giant Step》专辑，这是张非常受欢迎的经典之作，不过它提出了一个问题：硬波普再往前该如何发展？Coltrane知道答案，在完成与Miles Davis的第二轮合作以后，他组建了由Mccoy Tyner、Jimmy Garrison、Elvin Jones和自己组成的最著名的四重奏。从此爵士乐揭开新的一幕。

六十年代的社会问题意味着Coltrane音乐上的革新被看作是黑人反抗的先声而大受欢迎，大量地录制和推向市场。1961年，Coltrane从Atlantic公司转到Impulse公司，推出了一系列令人惊愕的作品，其中包括大多数Coltrane里程碑式的专辑，还有部分六十年代中期Coltrane实验性的作品。在1961年至1967年之间，Coltrane制作的专辑成为现代爵士的奠基之作。出于商业方面的考虑，Impulse公司对Coltrane的作品总是推迟出版，看过他现场演出的乐迷们对其音乐上的发展变化之大十分震惊。Coltrane在《A love Supreme》专辑中的演奏与现场相比要催眠和平静好多，然而还能称得上是经典。

之后，Coltrane的作品变得越来越野性。由于对新领域的无休止的追逐探索，导致乐队的解散。Rashied Ali代替了Elvin Jones，Alice Coltrane取代了Mccoy Tyner，Coltrane对新的萨克斯手尤为感兴趣，在专辑《Ascension》中，他给予Archie Shepp、Pharoah Sanders、Marion Brown和John Tchicai许多演奏空间。Eric Dolphy的演奏风格与Coltrane有很大不同，但他在六十年代早期却频繁作为Coltrane四重奏的一位客座乐手，并和Coltrane于1961年一块巡演。1967的《Interstellar Space》双重奏专辑，Coltrane的次中音萨克斯与Rashied Ali的鼓激烈鏖战，为后人发展提供了一个十分诱人的新暗示。

1967年Coltrane的去世使得先锋爵士失去了一位精神上的父亲。七十年代Fusion爵士商业性的成功使得他的光芒有些黯淡，八十年代传统爵士的复兴又使得Coltrane硬波普时期的作品大受关注。尽管Coltrane一再强调年轻的萨克斯手们不要学他，但是他死后其风格反而成了一种主流。从Michael Brecker的伯克利学校音乐风格到欧洲的Jan Garbarek，甚至像Andy Sheppard这样的新秀要建立起自己的观众群都找不到其他更好的演奏方式。不过，Coltrane的音乐确实有很大的听众群，尤其在年轻的摇滚乐迷中也十分受欢迎。毫无疑问，Coltrane确实是一位真正的爵士乐使者，他的音乐来自于其内心深处，很少有爵士乐音乐家能达到那样登峰造极的境界，拥有其超凡脱俗的乐器演奏技巧。

爵士乐史上的跨时代人物（二）

“爵士钢琴诗人”——Bill Evans

很少有音乐家能像Bill Evans一样在五十年代后期的纽约爵士乐界造成如此大的影响。他自省而精致的独奏与当时风行的“硬波普”风格大相径庭。一旦被大众注视，很快就成为四十年来乐器演奏家中最具影响力的人物。

Evans出生于新泽西的Plainfield，就读于路易斯安娜州东南大学。在军队短暂服役后，他于1955年回到纽约，开始与Tony Scott和George Rusell合作录音。他与这些乐队的合作中表现出来的精致的摇摆、清晰而有结构的独奏很快就引起人们的注意，使得Evans有机会以他自己的名义录音。但对自己才华的过分谦虚，使得他一时间很难被众人注意。直到1958年他在Miles Davis乐队中呆了几个月后这一切才得到改变，与John Coltrane和Cannonball Adderlley等人共同合作完成Miles音乐上向调式即兴的转变后，终于使得Evans成为瞩目的人物。

这期间Davis允许Evans建立自己的乐队，到1959年底Evans终于和贝司手Scott Lafaro、鼓手Paul Motian一起组成三重奏。三位乐手发展了一种全新的交互式的三重奏演奏方式，其中每种乐器都要负责旋律部分的演奏，而且每个声部的功能都是平等的。1961年，Lafaro不幸死于高速公路车祸，使得这个充满生机的组合不复存在。Lafaro去世前不久参与录制的四张专辑、两张录音室作品和一张在前卫村的现场录音影响了后来的几代钢琴手、贝司手、和鼓手。

Evans与吉他手Jim Hall、歌手Tony Bennett、贝司手Eddie Gomez等一起合作过非常难忘的双重奏，尽管Evans在这种小范围亲密的演奏氛围中非常擅长，而且其后的二十年间也多次尝试多轨录音的钢琴独奏，他始终没有放弃与Lafaro、Motian建立起来的三重奏演奏形式。Evans三重奏的演奏班底很少更换，Edddie Gomez是其1966-1977间固定的合作伙伴，这个组合的演奏曲目逐渐在扩大，包括一些新的原创曲目和有价值的经典曲，以及早期Evans成名的一些曲目。尽管演奏形式和人员比较固定，但是Evans的演奏始终保持着非凡的灵感，他能够达到令人昏眩的情感深度，同时也能保持平静、明晰的演奏。他抒情的旋律构造、复杂的段落、优美的琴韵在他死后十五年影响了无数的钢琴手。;:


“与时俱进的黑色激情”—Herbie Hancock



1940年4月12日，Herbie Hancock出生于芝加哥的一个音乐之家。Hancock七岁开始学习钢琴，两年以后就开始他的第一次公开演出。尽管首演时他弹的是古典作品，但Hancock的兴趣大部分还是在爵士上。高中和大学时期他在一些半专业的乐团中演奏，偶尔有机会为一些造访的爵士乐手伴奏，其中就有Donald Byrd。1961年，Hancock第一次在纽约演出就是和Donald Byrd合作，后来自己建乐团时也和Donald Byrd合作过。

在六十年代早期和中期，Hancock的乐团主要从事俱乐部演出和录音，但真正使他声名鹊起获得广泛承认的是他加入Miles Davis的五重奏以后，他与Miles共同呆了五年多。在与Davis合作的后期，乐队开始演奏Jazz-rock的风格，Hancock对这种风格十分适应，1968年他自己组了一个六重奏追求自己的演奏观念。合作乐手包括Julian Priester、Buster Williams和Eddie Henderson,他们演奏Hancock原创的作品，乐队成为70年代早期最受欢迎和最具影响力Jazz-Rock乐队。

从1969年开始，Hancock广泛使用电钢琴和其他电子乐器，包括合成器。1973年迫于经济压力Hancock将他的乐队削减为四重奏，其中包括特色乐手Bennie Maupin。新乐队的风格还是Fusion，但这次更多偏向于Jazz-Funk。Hancock四重奏的首张专辑《Head Hunters》被刚萌芽的Disco乐界广泛接受而且赢得巨大的销量。整个七十年代其余的时间，Hancock的音乐始终关注于这个领域。由于这十年在Disco市场的大受欢迎，使得他进一步削减了现场爵士演出。期间他也制作了数张传统爵士专辑，其中有与Chick Corea一起的以及他自己乐队V.S.O.P.的。


1986年Hancock在电影《‘Round Midnight》中出演并演奏，还写了电影的配乐，因此获得学院奖。之后他在爵士乐界更为活跃了，与Tonny Williams，Ron Carter，Michael Brecker其他人一起巡演。这些年Hancock在音乐上的变化疏远了一些喜欢他在Davis乐队时期作品的乐迷。


Hancock在音乐中展现了一种影响深远的创造性，为流行唱片工业设立了一个标准。音乐在形式上是理性的产物，但其内容却是无法缺少热情的，V.S.O.P.乐队的作品一向以其完整性、强烈的情绪和原创性著称。尽管Hancock最初的兴趣在传统爵士上，但他非常有技巧地将其音乐的探索推向其他的领域，创作出一组激动人心的作品。


“叛逃的古典钢琴手”——Keith Jarrett



Keith Jarrett1945年出生于潘尼斯拉维亚州的Allentown，那里很少有机会听到爵士乐，他早年流露出的惊人天赋，使得自己将自己定位于古典音乐演奏。实际上，在少年时期，Jarrett有一段去巴黎跟随Nadia Boulanger学习的经历，这次机会使得他下决心转向爵士演奏生涯。Nadia Boulanger是一位具有世界范围声誉的著名教育家，象美国作曲家Aron Copland、Roger Sessions都受过其的教诲。

1964年，Keith Jarrett来到纽约，当时要想进入爵士乐界是极端困难的事。期间有一次机会，某天在前卫村的夜晚演出过后，Art Blakey有意雇佣Jarrett，不过当时只是个口头约定后来并没有兑现。直到一个在波士顿的与Lioyd乐团合作演出合同才将Jarrett正式领进圈子。这个乐团作为一个整体取得了巨大的成功，然而Jarrett还是很快地脱颖而出。对该乐团演出的评论回顾一致指出Jarrett很多才多艺，与鼓手Jack Dejohnette之间配合是乐队最令人感兴趣的地方。1969年，由于报酬分配上的不公平，Jarrett和Dejohnette离开了这个乐团。

随后，Keith Jarrett与Charlie Haden、Paul Motian组成三重奏。1967年这个三重奏以Keith Jarrett的名义录了第一张专辑《Life Between The Exit Signs》，这张专辑受到评论界一致肯定。但是Jarrett接下来的步伐让人出乎意料，他加入了Miles Davis的乐队，尝试着将Jazz、Funk、Rock三者结合起来。但除了《Live-Evil》以外，并没留下太多这方面的录音。

离开Miles Davis的乐团以后，Jarrett开始追求独奏和乐队领导的生涯。三重奏由于增添了一位成员Dewey Redman变成了四重奏，更名为American Quartet，录制了首张专辑《Expectations》，这张专辑意味着Jarrett作为音乐家和作曲家时代的来临。这个团体在音乐方面的取向受到Ornette Coleman、John Coltrane、Cecil Tylor的Avant-Garde风格的影响。


1971年，keith Jarrett开始与Manfred Eicher建立的德国唱片品牌ECM合作。1970年他录制的专辑《Facing You》显示出Jarrett作为独奏钢琴手能力，而且这张专辑给予他继续进行钢琴独奏的信心。从开始的第一张独奏钢琴专辑到1995年的Milan独奏音乐会，Jarrett的即兴独奏音乐会吸引了大量现场观众和唱片购买者。1975的《Koln Concert》是所有时期最为畅销的独奏钢琴专辑，为Jarrett建立了相当的声誉。

1970年，Keith Jarrett又建立起了一个European Quartet，由自己和萨克斯手Jan Gabarek、贝司手Palle Danielson、鼓手Jon Christensen组成，这个组合持续到1979年，录制的唱片被视为当代爵士中的经典之作。其中《Nude Ants》和《the Luminous Personal Moutains》两张现场专辑尤为出色。

八九十年代，继续出版独奏专辑，包括《Book Of Ways》、《Invocations/The Moth and The Flame》、《Vienna Concert》、《La Scala》等等，八十年代末Jarrett得了慢性疲劳综合症，使得他不能长时间的演奏，由于独奏音乐会演奏精神和体力高度紧张的活，为了保护他的健康演出计划也取消了，Keith Jarrett的独奏巡演基本一去不返了。


“琴键上的跨界高手”——Chick Corea



Chick Corea三十年的音乐生涯是不同音乐经历的一种混合。1941年，他出生于马萨诸萨州的切尔西。四岁时开始学习钢琴，而且儿时家庭之中也是充满音乐的，整天能听到Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Bud Powell、Lester Young和Horace Silver，另外Beethoven和Mozart的音乐也启发了他的创作天性。

Chick Corea早期的创作开始于和小号手Blue Mitchell（1964-1966年间）的第一次职业合作演出期间，这时他正式作为这支名为Tones For Jones Bones的乐队的领导者了。早期的合作对象还包括Willie Bobo、Cal Tjader、Herbie Mann以及Mongo Santamaria，使得Corea许多作品中的Latin音乐成分很浓厚。在帮Sara Vaughan伴奏一年之后，由于加入了Miles Davis乐队任电钢琴演奏，Chick Corea开始真正的成名。与Miles Davis合作的几年间，他参与了《Bitches Brew》和《In a Silent Way》两张划时代的Fusion经典作品的录音。也就是从那时开始，他组建了自己的先锋即兴演奏团体“Circle”，成员包括贝司手Dave Holland、小号手Barry Altschul、萨克斯手Anthony Braxton。

1971年，在“Circle”成立三年之后，Corea改变了其音乐上的注意力。成立了早期版本的Return to Forever，乐队的风格很柔和、充满桑巴风味，这时Stanley Clark任贝司手，还有人声乐手Flora Purim，其丈夫Airto为鼓手，长笛手Joe Farrell。以这个班底制作了两张专辑和一部分独奏钢琴专辑以后，Chick Corea开始为乐队插上了电，走上Fusion的路线，这时还招募了两位充满火力的乐手鼓手Lenny White和吉他手Bill Connors。

在Chick Corea使用合成器形成其独一无二的风格的同时，Return to Forever（这时吉他手由Al DI Meola代替Bill Connors）以其开拓性的专辑《Where Have I Known You Before》、《No Mystery》和《Romantic Warrior》在七十年代的Fusion大潮中冲锋陷阵。当1975年Return to Forever解散，Corea又开始尝试录制不同风格的唱片，包括电子大乐队、独奏钢琴、古典音乐、强力二人组演奏（与Herbie Hancock或Gary Burton一起）。

八十年代中期，Chick Corea组了一支电子乐队，制作了获格兰美奖的专辑《Leprechaun》、《My Spanish Heart》、《Musicmagic》，其他的一些作品还包括《Mad Hatter》、《Return to Forever Live》，以及与Joe Henderson、Freddie Hubbard、Hubert Laws、Chaka Khan和Nancy Wilson等人的一系列合作。

1996年，Chick Corea和Sony Classical唱片合作，与Bobby Mcferrin制作了一张Morzat系列作品的专辑，期间充满了Corea独特的爵士即兴演奏以及Mcferrin的人声录音，另外还包括两个Morzat的钢琴协奏曲、Morzat第二号钢琴奏鸣曲的即兴变奏。Chick Corea与Bobby Mcferrin因此成为好友，共同合作了六年，并制作了一张现场爵士的专辑。

版主是好人啊...应该了解一下

配图阿。。。。配图。。。
我连续加班一个月。。。
完全不能看大段文字

可以复制下来慢慢看，这种资料总是比较枯燥的。
假如哪天对爵士乐感兴趣了，可以对照着了解一下。
贴图的话，那要把我累死了。

难得资料帖，精华一个

为人民造福 就累点吧。。。。。ps可以来些 古典的么？